Axis Bold As Love sort à quelques mois d'intervalle du précédent. Il complète parfaitement le premier album, avec une musique toujours nourrie de blues et de rock-psychédélique qui s'oriente davantage vers la soul et le rhythm'n blues. Chas Chandler, son manager, a mis le paquet : c'est l'Olympique Studio de Londres qui est choisi pour l'enregistrement. La production est indéniablement plus riche, mais le temps est compté et le groupe doit travailler vite. Des échéances commerciales leur imposent de sortir l'album pour les fêtes de Noël. Cette précipitation sera frustrante et préjudiciable. Jimi aurait préféré avoir plus de temps pour certaines chansons, pour un meilleur aboutissement. Sans compter qu'il oubliera sur la banquette d'un taxi les bandes d'enregistrements de la première face du vinyle. Contre mauvaise fortune, bon coeur ! Il leur fallut donc tout réenregistrer en une journée !

Quoi qu'il en soit, les compositions sont de nouveau très originales et le jeu de guitare de Jimi s'est encore enrichi. La pochette est magnifique et chargée de symboles. Hendrix, tel un Dieu rassembleur est entouré de disciples et de femmes hindous. De sa main droite ouverte, il prône la paix universelle. L'inattendu et le curieux EXP introduit une histoire de science fiction, écrite par le romancier Manley Hall, véritable source d'inspiration pour Jimi Hendrix comme la suite nous le démontre. L'axe de rotation de la terre, « Axis », change progressivement d'orientation, entraînant ainsi la chute de la civilisation humaine. Mitch Mitchell, le batteur de l'Expérience se transforme un court instant en journaliste de l'info-rapido et interroge naïvement un extraterrestre, en l'occurrence Hendrix, sur l'existence des O.V.N.I. Des interférences et des bruits « urbains » précèdent la réponse. Le jazz-blues-psychédélique, Up From The Skies avec son tempo jazzy et sa guitare wah wah nous révèle leur présence. Puis Spanish Castle Magic, un rock-blues torride contraste avec la soul et le funk, assimilés par notre trio stellaire, comme en témoigne Wait Until Tomorrow. Le rhythm'n blues revient en force ensuite avec un époustouflant et rageur Ain't No Telling.

Mais même les dieux ont besoin de repos : Little Wing arrive à point nommé, cette merveilleuse ballade bluesy n'a pas échappé à la grâce divine de son créateur. On reste malgré tout sur notre faim (2 mn 24 s !) face à tant de beauté que l'on ne voudrait jamais entendre s'arrêter (les éblouissantes versions live qui sortiront après sa mort n'en seront que plus précieuses). Puis les cartes astrales nous rappellent avec If 6 Was 9 que le monde est en mouvement perpétuel constant et que même si celui-ci est imprévisible, faut-il pour autant que cela génère de l'inquiétude ? Non est la bonne réponse selon Jimi. L'intro de You Got Me Floatin' révèlera la voie à prendre pour jouer un blues futuriste. Le guitariste Robin Trower sera l'un des premiers à l'emprunter, suivi plus tard par Stevie Ray Vaughan et beaucoup d'autres. Encore un moment magique avec le poétique et merveilleux Castles Made Of Sand. L'introduction soul de One Rainy Wish paraît suspendue, elle rappelle combien la voix du maître pouvait devenir chaleureuse et se fondre dans son jeu, lorsque celui-ci devenait aérien. Sur Little Miss Lover Jimi, à l'instar de Sly Stone, invente le funk-psychédélique, assurant l'avenir de George Clinton et de ses deux groupes légendaires : Parliament et Funkadelic. Enfin Bold As Love illustre magistralement l'une des caractéristiques de Jimi, à savoir une introduction soul suivie d'une envolée bluesy.

Face à la musique du maître, les mots ne sont qu'accessoires. A chacun de définir et d'exprimer ce qu'il ressent face à une telle créativité.

Le plus illustre des enregistrements de concert reste sans conteste le fabuleux, l'incroyable Live At Leeds des Who.

Ce n'est pas un hasard si nos quatre énergumènes étaient, avec ceux du Jimi Hendrix Expérience, la plus grande machine de guerre sur scène à la fin des années soixante. Hendrix parti fonder un nouveau groupe, le Band Of Gypsie, s'orientera pour un temps vers une musique plus soul-blues, délaissant la fureur blues-rock-psychédélique de ses débuts (qu'il ne retrouvera d'ailleurs plus vraiment sur scène par la suite). Ce faisant, il laisse le champ libre à Pete Townshend et à sa meute enragée qui vont s'engouffrer sur les traces de ce premier.

A l'aube des années soixante-dix, les Who sont au sommet de leur art. Depuis la sortie de Tommy, ils ne cessent d'embraser les scènes du monde entier, avec une énergie incroyable. Daltrey se sert de son micro comme d'une fronde, Townshend mouline et martèle sa guitare SG, Moon doté d'une rapidité et d'une puissance phénoménale martyrise sans pitié ses fûts et Entwistle physiquement impassible, planté sur la gauche de la scène, fait galoper ses doigts de façon vertigineuse sur le manche de sa basse. Le spectacle est total et unique en son genre, le monde du rock est sous le choc. Ils s'offriront le luxe de jouer dans les plus prestigieux Opéras américains et européens, hormis l'Opéra de Paris, où ils devront se contenter du Théâtre des Champs-Elysées les 16 et 17 janvier 1970.

Le 14 février, les Who sont à Leeds en Angleterre, les bandes tournent, le concert est enregistré et soigneusement remixé par Townshend lui-même ; le disque sort en mai. Sa pochette imite avec humour les nombreux pressages pirates vinyles alors en circulation (pochette en carton brut et étiquette blanche sur le vinyle). Elle contient, entre autres, un poster noir et blanc, souvenir des légendaires soirées du mardi, au Marquee Club en 1964. Townshend y figure dans une gestuelle symbolique, bras droit tendu, il semble prêt à assener l'un de ses fameux et spectaculaires moulinets. Le logo WHO qui figure sur le poster joint deviendra l'emblème du groupe. Le vinyle original ne comprenait que six chansons, six brûlots dont l'impact est immédiat. Le son unique des Who s'explique essentiellement par l'énergie sonore créée et développée grâce aux personnalités opposées mais complémentaires de ses membres. Très peu de groupes sont effectivement composés de quatre individualités aussi fortes et contraires.

Tout commence par Young Man Blues (une reprise de Mose Allison) : la fameuse guitare Gibson SG de Townshend double le riff, suivi par un bref déluge de batterie annonçant la relève du combat par Moon. Daltrey et son allure d'athlète spartiate rentre dans le jeu, sa gorge est d'emblée chaude et puissante. Entwistle prend place et, depuis les entrailles de la scène, construit un mur de basse gigantesque et indestructible. L'assaut est donné, le groupe s'exécute et le carnage commence. La guitare vitriole de Townshend affronte la tornade Moon. Le sol fume, on raconte que là où passent les Who, l'herbe ne repousse plus ! Puis Substitute met l'accent sur les textes subtils du leader et permet à chacun de reprendre son souffle quelques instants, car ce qui suit est de nouveau sans pitié, avec la reprise foudroyante du Summertimes Blues d'Eddie Cochran, implacable et définitive, tout comme le Shakin'All Over de Fred Heath, mythifié pour l'éternité. Ils enchaînent, avec une version de My Generation très imposante sur plus de quatorze minutes de folie, de sauvagerie titanesque et d'improvisations comme touchées par la grâce ; le tout incluant des extraits de Tommy revisité à cette occasion. L'énergie, la technique et la créativité développées sont telles que jamais aucun autre groupe de rock, avec seulement trois instruments, n'a atteint et n'atteindra un tel niveau musical sur scène. L'époustouflante section rythmique basse-batterie instaurée par Moon et Entwistle reste unique et inimitable. Daltrey chante comme un dieu pendant ce concert et Townshend montre qu'il ne craint personne à la guitare. L'osmose est au maximum lorsque Magic Bus et son intro de génie achèvent les éventuels survivants, son riff d'ouverture est devenu légendaire. S'ensuit une voix charismatique et guerrière, puis une basse herculéenne en pleins travaux. A l'affût, s'impatiente le plus dangereux de tous, l'imprévisible, l'incontrôlable et non moins destructeur Keith Moon. Installé derrière ses fûts, il attend son tour, trépignant et grimaçant comme un démon. Son attaque est tout aussi terrifiante que spectaculaire. Le combat amorcé est titanesque et les armes employées non répertoriées : lancers de micro tourbillonnant dans les airs, sauts de carpe haute voltige et powers-chords assénés par une hélice humaine, une batterie-mitrailleuse en furie et une basse-araignée démesurée qui frétille joyeusement sur sa toile à quatre cordes. La victoire est totale : conquérant et invincible, le quatuor règne enfin en maître absolu. Tous les groupes de rock et de hard-rock futurs auront à se mesurer à ce Live At Leeds. Who's Next ?

Une réédition de l'intégralité du show sortira en 2001 avec Heaven And Hell, I Can't Explain, Fortune Teller, Tatoo, Happy Jack, A Quick One et tout Tommy bien sûr!

Les Doors reviennent avec Morrison Hotel à leur meilleur niveau musical. Les deux albums précédents, Waiting For The Sun sorti fin 1968 et The Soft Parade sorti fin 1969 ne possédaient pas assez d'originalité et d'énergie, malgré l'indéniable qualité de certaines chansons comme Love Street, Five To One, Wild Child ou The Soft Parade. Peu d'entre elles pouvaient rivaliser avec celles contenues dans The Doors et Strange Days, leurs deux premiers albums. Le groupe a néanmoins atteint une popularité immense, renforcée par la sortie d'un single très accrocheur, Hello I Love You, extrait de l'album Waiting For The Sun et rappelant fortement le style des Kinks. Dans le même temps, Jim Morrison ne supporte plus ce statut de superstar-sex-symbole du rock devenu incontrôlable. De plus et de ce fait, son réel talent de poète n'est pas vraiment reconnu ni totalement apprécié à sa juste valeur. Jim absorbe toutes sortes de drogues et se met à boire à outrance. Son état physique se dégrade progressivement. L'énorme scandale survenu après leur spectacle donné à Miami en mars 1969 ne fera qu'empirer la situation ; Morrison est accusé d'avoir effectué des gestes et comportements obscènes sur le devant de la scène. La presse grossit l'affaire. Du coup, les radios boycottent leurs chansons et les concerts initialement prévus sont tout simplement annulés. Sale affaire ! La tension au sein du groupe laisse présager la dissolution de celui-ci. Heureusement, le retour au travail en studio leur permettra de sauver un temps les apparences, et le groupe. Début 1970, le groupe enregistre Morrison Hotel, encore produit par Paul Rothchild ; l'album sortira en février. Jim et sa bande ont retrouvé l'énergie et l'inspiration nécessaires pour refaire surface, avec l'un de leurs plus grands albums. La face 1 du disque vinyle s'intitule Hard Rock Café, la face 2 Morrison Hotel. Les deux titres illustrent le recto et le verso de la double pochette originale américaine. Elle est devenue un objet culte très recherché par les fans, les collectionneurs et les revendeurs de tous poils. Le rock, le blues et le rhythm'n blues sont à la fête, ils dominent la quasi totalité de l'ensemble. Les compositions sont toutes écrites par Morrison et par le groupe.

La guitare de Robbie Krieger est omniprésente, Ray Manzarek varie davantage le son de ses claviers et John Densmore est toujours aussi précis et efficace derrière sa batterie.

Blues-rock-boogie sur l'imparable et légendaire Roadhouse Blues, rock'n roll boogie avec You Make Me Real, sublime rock-psyché sur Waiting For The Sun, le sommet artistique de l'album qui rappelle fortement Strange Days. Rhythm'n blues puissant avec Peace Frog et son intro ravageuse, ballade poétique et sentimentale avec Blue Sunday. Ship Of Fools et Land Ho ! sont plus classiques et manquent un peu de profondeur, contrairement à The Spy, un blues hypnotique saisissant suivi du grandiose et majestueux Queen Of The Highway, puis du troublant Indian Summer. Le blues-rock Maggie M'Gill est plus conventionnel mais reste efficace. Il termine néanmoins le disque sans grande surprise. Vous pouviez encore mieux faire les gars ! Un grand album des Doors tout de même, les légères faiblesses ressenties étant dues à un petit manque de créativité musicale. Son empreinte blues-rock accrocheuse et pertinente atteindra toutefois un très large public.

Joni Mitchell en état de grâce, audacieuse comme jamais, sort Hejira, un album en tout point prodigieux. Sa fascinante pochette incite d'emblée à la curiosité et au voyage. Un voyage authentique, dicté par le coeur et l'esprit d'une grande artiste à fleur de peau. Un voyage musical et poétique d'une rare beauté où les diverses mélodies et sonorités, subtilement jazzy, sont à vous couper le souffle d'émotion. Certes, les séances d'enregistrements avaient accueilli du beau monde. Les musiciens présents sur cet album relèvent autant de l'exception que du prestige : Larry Carlton aux guitares, Jaco Pastorius à la basse fretless, Victor Feldman au vibraphone, Neil Young à l'harmonica, Tom Scott du L.A Express, Bobbye Hall aux percussions, John Guerin à la batterie et Joni Michell, en lead vocal, cette dernière assurant également les parties de guitares acoustiques. Toutes les compositions sont signées par la déesse américaine et quelles compositions ! Des sentiments profonds s'y profilent à travers des textes d'un grand lyrisme. Joni nous livre ici ses pensées, à travers ses propres expériences et ses passions amoureuses ; mais aussi son hommage à l'aviatrice pionnière Amelia Earhart, disparue en mer le 2 juillet 1937, qui fut la première femme à traverser, entre autres, l'océan Atlantique en solitaire en 1928 !

Les musiciens l'ont bien compris, d'où l'exceptionnelle délicatesse apportée dans l'approche de leur instrument respectif, qui confère à l'ensemble une musicalité renversante. Les harmoniques de Pastorius et de Carlton sont particulièrement inspirées et enchantent à merveille vos oreilles à chaque mesure. Ainsi, la richesse et la complexité feutrée des instruments mettent en valeur la voix délicate, envoûtante et sublime de Joni Mitchell. La musique vient ainsi sublimer cette atmosphère poétique confondante. Le tout forme l'un des plus grands chefs-d'oeuvre de sa carrière musicale, assurément le plus abouti. En ce sens, Hejira autorise deux approches différentes, pouvant d'ailleurs être complémentaires : l'une, attentive, pour sa grande et subtile maturité musicale, avec un Jaco Pastorius au sommet de son art : à la fois omniprésent et tout en retenue. La seconde approche, peut-être plus passive, ne se contente que des qualités relaxantes thérapeutiques de l'album. A vous de choisir ! Dans tous les cas, difficile de comparer une chanson à une autre, tant l'ensemble est fluide et gracieux. Un disque intemporel donc et bien sûr indispensable. Cette artiste hors du commun est encore aujourd'hui injustement méconnue du grand public, hormis sur le continent américain, sa terre natale. Et dire que Joni Mitchell se considère avant tout comme une artiste-peintre ! Une femme possédant une aussi large palette de talents peut-elle rester encore longtemps si peu connue en Europe, le berceau culturel du monde occidental ?