Philippe Moulin : Les Maîtres de la Fusion
Jazz-Funk / Jazz-Rock 1969-1989

Barefoot Boy produit par Bob Thiele avec, comme ingénieur du son Eddy Kramer, est enregistré dans le fameux studio Electric Lady, conçu et élaboré par Jimi Hendrix en 1970. Fortement inspiré par ce dernier, Larry Coryell incorpore parfaitement à son jeu les effets sonores du voodoo child. Cet album demeure l'une des plus grandes réussites artistiques et commerciales du guitariste, toutes époques confondues s'entend, tant par l'interprétation exceptionnelle des trois morceaux qui le composent que par sa grande musicalité, aussi inspirée qu'intemporelle.

Tout commence par l'immense et hypnotique Gypsy Queen que l'on fixe à jamais dans son esprit dès la première écoute : près de 12 mn de pure folie communicative, une suite sublimée de la version esquissée par Santana sur le disque Abraxas, composée initialement par le guitariste Gabor Szabo. La performance n'est pas due uniquement au jeu illuminé du guitariste. Au passage, il faut saluer également la magnifique performance des musiciens qui l'accompagnent et, tout particulièrement, celle du méconnu Steve Marcus, le saxophoniste ténor/soprano. Egalement présents sur le vinyle : le grand Roy Haynes à la batterie, les deux percussionnistes Harry Wilkinson et Lawrence Killian. Mervin Bronson est à la basse et Micheal Mandel au piano. Les deux autres morceaux sont composés par Larry Coryell. The Great Espace prend la suite. Et quelle suite! Un puisant jazz-blues à l'harmonie subtile occupe l'espace, sax et guitare sont à l'unisson et des riffs de guitare très groove et répétés renforcent les courtes interventions bluesy de Coryell. Puis, Marcus et son sax impérial entrent judicieusement en scène, par à-coups, ses silences renforçant d'autant son jeu vigoureux et les contrastes sonores qu'ils engendrent, à l'image de ceux créés par Miles Davis et Wayne Shorter. Pour finir, la section rythmique basse/batterie et les percussions s'intensifient nettement en fin de plage, invitant l'envoûtante sonorité de guitare wah wah jouée par Larry Coryell à sublimer ce final tribal inattendu. L'imposant Call To The Higher Consciousness occupe entièrement la face verso du vinyle : un morceau de nature moins électrique, plus traditionnel et surtout plus spirituel, où chacun s'exprime à sa guise tout en respectant une certaine cohésion. Une composition au titre évocateur, tout comme celui de l'album (le garçon aux pieds nus…) qui s'impose sur la couverture. Tous deux sont inspirés par la rencontre de Larry Coryell avec le gourou Scri Chinmoy qui aura une influence encore plus grande et durable sur le guitariste du Mahavishnu, John McLaughlin.

Grâce à ce disque en tous points exceptionnels, Larry Coryell s'installe à jamais dans la cour des grands. Vous l'avez compris, cet opus est une référence absolue et demeure essentiel dans l'histoire du jazz-rock-blues, apprécié davantage à sa parution par les amateurs et musiciens de jazz et de blues fusionnel, que par le public rock en général, qui avait déjà fort à faire avec Jimi Hendrix.

Trois années se sont écoulées depuis la sortie de Friends, le meilleur album de fusion jazz/rock enregistré en studio par Larry Carltonà ce jour. Autant vous dire que ce nouvel opus était attendu. Mais contrairement à d'autres guitaristes comme John McLaughlin, John Scofield ou encore Lee Ritenour, Larry Carlton n'est pas un compositeur très prolifique. C'est donc un nouveau disque live qu'il nous est proposé d'entendre. Et ce Last Nite va peser très lourd dans la discographie du guitariste et tout autant dans l'histoire du jazz en général. Enregistré le soir du 17 février 1986 au jazz club Baked Potato North Hollywood de Los Angeles, le guitariste est entouré d'Abraham Laboriel à la basse, John Robinson à la batterie, Terry Trotter aux claviers, Alex Acuna aux percussions, Jerry Hey et Gary Grant aux trompettes et Mark Russo au saxophone. La prise de son et le mixage final sont confiés à Ric Pekkonen qui accomplit un véritable travail d'orfèvre.

Le répertoire retenu est constitué de six morceaux : quatre compositions de Larry Carlton et deux reprises de Miles Davis. Un miracle se produit dès l'ouverture sur So What : Carlton place délicatement sur son manche les premiers accords joués en boucles de la célèbre mélodie de Miles. Il est rejoint un bref instant par le duo de trompettes jouant à l'unisson les deux fameuses notes de renfort conçues initialement par Miles, puis le reste du groupe se met en place avec beaucoup d'élégance. Le tempo se veut très swing et permet ainsi au guitariste de s'envoler de mille feux sur un tapis sonore à la fois dynamique et aérien. L'impressionnante dextérité du touché de Larry Carlton laisse sans voix. Littéralement habité, le guitariste développe un lyrisme d'une richesse confondante doublé d'un feeling prodigieux. Le Fender Rhodes de Trotter prend ensuite la relève de façon plus convenue. Mais que pouvait-il faire après tant de grâce ? A peine remis d'un tel brûlot, Don't Give Up déboule à fond de cale, tout aussi imparable. Le son est énorme. Ce succulent cocktail de jazz/boogie/blues/rock a de quoi rivaliser avec les grands maîtres de boogie/blues express, souvent prisés et appréciés dans le monde du rock américain avec, souvent en prime, un son de guitare plus gras et un tempo plus appuyé, vu le contexte musical et le style abordé. Je pense entre autres à Rory Gallagher, Billy Gibbons (ZZ Top), Ed King (Lynyrd Skynyrd) ou encore à l'énigmatique Jeff « Skunk » Baxter (Steely Dan et The Doobie Brothers) qui ne sont certainement pas passés à côté de ce disque d'exception. Plus tempéré, The B.P.Blues calme les esprits encore bouleversés par un tel prodige et renvoie à d'autres grosses pointures, allant à titre d'exemple d'Eric Clapton (dans ses grands jours) à Jeff Beck (période blues) en passant par l'incontournable Steve Ray Vaughan. La trompette bouchée de Miles arrive ensuite à point nommé pour « jazzifier » ce blues joué magnifiquement, mais de façon volontairement traditionnelle. Il offre de surcroît un pont idéal pour All Blues, l'autre grande reprise de Miles. Le jeu et les attaques de Carlton se rapprochent ici du trop méconnu Roy Buchanan et de quelques autres guitaristes comme Robben Ford, vous diront certains érudits. Le plaisir continue avec l'introduction de Last Nite sur fond de basse funky développant un groove inéluctable qui annonce encore bien des surprises et autant de bonheur. De nouveau, la guitare de Larry Carlton y atteint des sommets de musicalité ; c'est à en pleurer ! L'inspiration règne en maître et l'imposante improvisation du guitariste touche à chaque instant au sublime. Puis, Emotions Wound Us So évolue ensuite tout en douceur; on quitte le blues des dieux pour une ballade sensuelle de toute beauté.

N'ayons pas peur des mots : Last Nite est un véritable O.V.N.I. dans la sphère des années 80 ! Il n'aura aucune équivalence durant cette décennie si controversée et se définit comme l'un des plus grands albums live de guitare jazz/blues électrique instrumentale de tous les temps. Que dire de plus ?

John Abercrombie, guitariste/compositeur américain, né le 16 décembre 1944 à Port Chester dans l'état de New York, apprend seul à jouer de la guitare à l'âge de quatorze ans, attiré par le rock'n roll de Chuck Berry et d'Elvis Presley. Peu de temps s'écoule avant que son professeur de musique lui fasse découvrir le jazz de Miles Davis, celui de Dave Brubeck et de beaucoup d'autres. Il découvre également le guitariste Jim Hall et décide d'aller étudier au Berklee College of Music où il restera de 1962 à 1966. Il devient professionnel à partir de l'année 1967, puis joue en 1969 avec des musiciens tels que Randy Brecker ou Billy Cobham. Il retrouvera ce dernier lors des enregistrements de Crosswinds, Total Eclipse et Shabazz, trois disques de Cobham sortis en 1974. Il rencontre également Gato Barbieri, Stanley Clarke et Chico Hamilton. Il effectue avec ce dernier sa première aventure en Europe en 1970, lors du quatrième festival de jazz à Montreux. L'année suivante, il joue avec, entre autres, Gil Evans.

En 1974, parallèlement aux sessions d'enregistrement avec Cobham, il forme un trio de choc avec Jan Hammer aux claviers et Jack DeJohnette à la batterie. Les 21 et 22 juin, le guitariste enregistre au Generation Sound Studio de New York son premier album Timeless produit par Manfred Eicher, le fondateur du prestigieux label ECM. Le disque ne sortira que l'année suivante, habillé d'une paisible et gracieuse couverture, l'une des marques de fabrique du label. Cet opus symbolise ce que le guitariste a fait de mieux en matière de jazz/fusion. Sur l'ouverture agitée de Lungs, une composition de Jan Hammer, certains n'y verront qu'un simple exercice de style, alors que d'autres y décèleront des grands moments de duels épiques, semblables à ceux gravés par le Mahavishnu Orchestra de John McLaughlin. L'orgue Hammond et le synthétiseur de Hammer y croisent gaiement le fer avec la guitare alerte et sauvage d'Abercrombie. Passé ce tour de chauffe effréné, merveilleusement canalisé par les fûts et les cymbales de DeJohnette, le rythme s'estompe, faisant place à son jeu de batterie particulièrement minutieux et aéré, renforcé par la délicate discrétion de ses deux co-équipiers. Puis, une troisième phase sonore prend forme sur un rythme groovy et funky, où la guitare d'Abercrombie diffuse un blues psychédélique envoûtant, proche de ceux immortalisés par Jimi Hendrix, Miles Davis, voire le groupe Parliament.

Plus à l'image du paisible graphisme de couverture, Love Song signé par Abercrombie, vous convie ensuite à une toute autre ambiance musicale, plus acoustique et d'une extrême beauté. Piano forte et guitare forment ici un duo de charme irrésistible, où chaque note, chaque silence vous interpellent, vous émeuvent pour ne plus vous lâcher. Jan Hammer y dévoile son immense talent de pianiste acoustique, un registre inhabituel pour lui, chargé d'une sensibilité à fleur de peau et d'un touché de maître. Puis, Ralph's Piano Waltz, un jazz plus traditionnel chargé de swing pur jus met en scène tour à tour la guitare et l'orgue Hammond, revisitant le style sans toutefois le transcender. Sur Red And Orange, l'ombre du Mahavishnu est de retour et nous ramène à une sonorité plus brutale, sur un rythme vigoureusement jazz/rock. Dès l'ouverture, une ligne de basse massive martèle le tempo et annonce effectivement la couleur… Claviers et guitare se lancent à nouveau dans une course exaltée, accompagnés de mains de maître par le percussionniste. Abercrombie nous sort le grand jeu sur cette composition signée par Hammer. Retour au duo acoustique avec le nostalgique et contrasté Remembering où le piano forte de Hammer fait encore des merveilles sur une composition encore écrite par Abercrombie dans laquelle cet instrument domine à nouveau. Cette magnifique ballade, proche de Love Song, est jouée quant à elle de façon plus dynamique et appuyée. Une fort belle réussite où une fois de plus les silences en renforcent d'autant la trame. Arrive ensuite Timeless le titre éponyme qui mérite bien son appellation. Il nous invite à un dernier et sublime voyage, plus mystique où l'inspiration du trio nous submerge à chaque seconde. Composition admirable gorgée de mystère : sa progression jouée tout en retenue, aussi majestueuse que spirituelle, s'avère réellement touchée par la grâce. Intemporel ? Oui, le mot est juste.